First Utterance foi lançado em 1971 e apesar de sua experimentação vibrante certamente se encaixa na cena prog inglesa da época, a essência do registro é inteiramente original. Um álbum conceptual, mais do que um álbum conceitual, são abordados temas como a opressão, o estupro e a violência brutal, ainda aborda esses temas de uma forma muito anti-literal, através de histórias e cenas pintadas, em vez de recorrer a meras diatribes. Isso ajuda a definir o tom fantástico do álbum, quase como um conto de fadas distorcido. Musicalmente, pode ser descrito como uma mistura de folk-rock, psicodelia e rock progressivo.
A maior força do álbum, o atributo que a meu ver dá o seu status de um verdadeiro clássico, é como descontroladamente todos os aspectos criativos são trabalhados. A instrumentação está longe de ser ortodoxa, violões são magistralmente executados através de inversões de acordes estranhos, apoiados por uma miríade de instrumentos de percussão acústica, bem como a flauta ocasional. No topo desta fogueira, quase como base rítmica e harmônica, vêm os violinos e os vocais, que fazem o seu melhor para retratar a loucura extrema. Os violinos são tocados com maestria, muitas vezes um pouco fora de sintonia uns com os outros, muitas vezes saindo do tom, muitas vezes saltando oitavas de maneira verdadeiramente arrepiante. Os vocais, liderados pela voz masculina em alta frequência de Roger Wootton e backups femininos ainda mais arrojados e fantasmagóricos de Bobbie Watson, são igualmente selvagens.
A estrutura da canção do mesmo modo também é torcida, complexa e um pouco confusa. O álbum salta casualmente de passagens suaves, baladas e silêncio sepulcral à loucura frenética e atonal de batuques tribais. É a combinação de todas essas coisas; os vocais inquietantes, a instrumentação folk, as imagens recorrentes e liricamente perturbadoras, a história como estrutura da canção, o que torna o álbum uma experiência tão interessante. Ouvir First Utterance não é simplesmente andar em uma jam session viajante, ou ouvir alguns caras balbuciando interminavelmente letras sobre violência. Quando você ouvir o álbum você será transportado, criará uma infindável variedade de imagens em sua mente, você não só ouve, mas verdadeiramente sente a desorientação, a confusão, a intensa emoção que o álbum transmite com tanto sucesso.
First Utterance é brilhante no sentido de que é tremendamente criativo sem perder a capacidade de impacto do ouvinte casual, que é experimental e auto-indulgente, sem permitir que essas tendências sejam o foco do álbum, mas sim usá-las para ajudar a criar um estado de espírito: um mundo de imagens e sentimentos que captura o ouvinte mais e mais a cada audição.
Krautrock, Electronic, Fusion, Prog, New Wave (no sentido mais amplo do termo)... todos esses gêneros devem algo a este álbum decididamente à frente do seu tempo (1968).
Leve brisa a acariciar o seu rosto, que quando necessário transforma-se em tempestade de furacões. Violinos atmosféricos que explodem com força quando você menos espera. Sons sintéticos que logo acabam em viagem astral à la Pink Floyd (Syd Barrett-era) e Kosmische Music. Experimentos sonoros que se referem diretamente à memória o melhor de Frank Zappa. Teclados despretensiosos e histéricos. Madrigais pacíficos e suaves. Ritmo às vezes balcânico, às vezes blues, às vezes noise, caos orgânico e organizado, pop, raga indiano. Sobreposição de sons que disputam entre si sem que nenhum prevaleça, sempre bem fundidos e coesos e bem conscientes de que o objetivo é desestabilizar o nosso cérebro e nosso subconsciente por evisceração.
A voz suave de Dorothy Moskowitz acompanha este terrorismo psicótico alternando entre as habilidades vocais de Grace Slick e a monotonia de Nico, sempre se fundindo com a música, criando uma espécie de paz irreal destinada a desintegrar-se sob os golpes destes proto-terroristas musicais.
Psicodelia, sim, mas muito mais: jornada artística, às vezes dadaísta, às vezes naïf, às vezes grotesca, às vezes avant-garde.
Finalmente eu entendi. Somos partículas infinitamente pequenas, sempre em movimento. Às vezes nos tocamos por alguns momentos, mais frequentemente do que colidimos.
Colisões minúsculas. Pequenas explosões. A realidade é que a vida é repugnante, na verdade, destruição.
Destruição não é arte, porque é fácil; só a criação é arte, porque é difícil. É o que dizem...
"Total Destruction": ou seja, a destruição que se transforma em arte. Chris Spencer sabe que o corpo é uma bomba e "Bomb Body" te rói por dentro com seu ritmo escuro e assustador.
"Straight" é um instrumento de tortura. Lâminas de barbear pra engolir. Sangrenta e selvagem.
O Unsane pode criar salas de mutilação capazes de fazer inveja ao mais sádico Dr. Morte. "Road Trip" é o conto negro de um pobre desesperado, que teve as pernas mutiladas e se arrasta ao longo de uma estrada deserta.
Que comece a feira de experiências com cobaias humanas. Cadáveres não são permitidos, só sofrimento. Potência sonora que te engaiola. Distorções, gritos e gemidos assustadoramente fascinantes.
Este é o meu disco preferido do Unsane, porque recria o som de ansiedade. O barulho do pessimismo. Elimina um possível futuro e entra em um eterno presente de auto-destruição.
Basicamente é isso que nos distingue de todos os seres vivos. E isso é o que somos: máquinas imperfeitas que procuram, mesmo inconscientemente, a auto-destruição. Desumanos em nosso ser humano. Menos humano do que um cão ou uma aranha ou um verme rastejante na merda.
Porque no final, eu falo por mim, eu sou um covarde e foda-se!
"Total Destruction" é, paradoxalmente, um hino à vida.
Se “Isn’t Anything” foi um grande disco feito de idéias brilhantes, músicas maravilhosas e influências variadas, "Loveless" é a sublimação de tudo isso e muito mais. Tecnicamente, a introdução de instrumentos tecnológicos promove um desenvolvimento do volume de som ainda maior. Por outro lado, o My Bloody Valentine aqui se mostra incisivo como poucos outros grupos na história.
Estamos diante de um código expressivo todo novo, que definitivamente se liberta dos exemplos do passado. Se as diretrizes iniciais do grupo eram o pós-punk e a psicodelia, agora é impossível fazer distinções significativas. Essas 11 canções são uma exploração ininterrupta do som, em que as 'paredes de guitarras' elevam-se sobre todo o resto e impõem uma visão ácida da realidade. Shoegaze, de fato. "Aperte os sapatos", então fique curvado pra baixo e atento apenas para tocar sua guitarra com o máximo de feedback possível, sem se preocupar muito com limites. Este disco é exatamente isso, um acúmulo enorme de distorções, combinado à urgência melódica tipicamente inglesa e uma grade eletrônica inédita até agora.
Também merece consideração importante a excelente produção de "Loveless": dezesseis estúdios de gravação e mais de dez engenheiros de som para cerca de 300 dias de trabalho para apoiar as idéias da mente genial de Kevin Shields (guitarra, vocais, samplers).
Portanto, ouvir este disco é sem dúvida a melhor experiência sensorial e metafísica que um homem pode fazer. Certo é também a capacidade extraordinária dessas frequências em conduzir o espírito à sua essência. É a harmonização do estado do corpo e da mente em um fluxo infinito de memórias perdidas, caos cósmico elementar. O acúmulo de sujeira etérea e distorção se alternam com alegria atemporal e suavidade vocal.
Em suma, uma obra-prima. Sem dúvida, um dos melhores discos da história!
Shub-Niggurath é um nome muito familiar a todos os fãs do escritor H.P. Lovecraft. Trata-se de uma figura que tem um papel importante na mitologia criada pelo escritor - é a deusa informe da fertilidade, que aparece para os homens e copula com eles na forma de um bode preto, é a Grande-Mãe, esposa e mãe do onipotente Yog Sothoth, "aquele que não deve ser nomeado".
"Les Morts Vont Vite", por sua vez, é uma linha da "Ballade de Lenore", uma canção escrita pelo alemão Gottfried August Bürger que, na íntegra, conta a triste história de uma menina, Lenore, desesperada porque seu namorado Wilhelm ainda não foi devolvido da guerra e recebe em uma noite a visita inesperada de um cavaleiro de armadura. O homem a cavalo disse-lhe para ser sua noiva e a leva embora com ele. Os dois montaram a galope através de charnecas desoladas até chegar a um velho cemitério abandonado, onde eles consomem a tragédia. Lenore, apreensiva e com desconfiança, levanta a viseira do capacete do soldado e vê o rosto de um fantasma descarnado. Seu coração não resiste ao terror indizível e pára, enquanto o cavaleiro fantasma e seu corcel negro desaparecem na noite.
A balada de Bürger é o típico melodrama gótico em que eles combinam Eros e Thanatos, mas desta vez é a morte que faz uma paródia do amor e assume a sua vingança sobre a vida.
A partir dessas premissas você já pode sentir que a proposta musical deste grupo francês, especificamente neste seu segundo álbum (de 1986), é suscetível de ser caracterizada por um som pouco reconfortante.
E claro está, a música do Shub-Niggurath é estranha e sombria até a medula, suas canções são constituídas por uma litania sepulcral lenta e pesada que de repente se transforma em trilha sonora infernal onde todos os instrumentos alternam e se entrelaçam. O baixo sombrio e a bateria obsessiva ditam o ritmo, arranjos pesados e fúnebres de piano e órgão de igreja tornam o clima áspero e histérico, o trombone desenha arabescos alienantes que se misturam com o rumor de uma guitarra distorcida e perversa.
Tudo é dominado pela voz da soprano Ann Stewart, que canta como se fosse a sacerdotisa em transe de um deus cruel e blasfemo.
Não há nenhum vestígiode melodia, não há umvislumbre de luzou uma gota devida, toda a obra é permeada porum sentimento deangústia eopressão, é uma celebraçãotristedo triunfo damorte. Obviamente, um álbum especial como este não pode ser acessível a todos. Provavelmente irá agradar os amantes da música clássica contemporânea e de bandas avant-garde do rock progressivo, como Magma, Univers Zero, Present, Art Zoyd e afins, ou os seguidores do Grande Octopus enquanto recitam versos do inenarrável Necronomicon durante uma noite de lua cheia.
1. Incipit Tragaedia (15:46)
2. Cabine 67 (5:55)
3. Yog Sothoth (12:27)
4. La Ballade De Lénore (8:58)
5. Delear Prius (4:03)
6. J'ai Vu Naguère En Peinture Les Harpies Ravissant Le Repas De Phynée (4:19)
Músicos:
Alain Ballaud - contrabaixo, baixo elétrico
Ann Stewart - vocais
Franck Coulaud - bateria
Franck W. Fromy - guitarra elétrica
Jean-Luc Hervé - piano, órgão, acordeom
Michel Kervinio - percussão
Véronique Verdier - trombone
